A la découverte du cinéma d’auteur avec Maestro, un film réalisé par Léa Frazer,

A la découverte du cinéma d’auteur avec Maestro

Un film réalisé par Léa Frazer,

avec Pio Marmai et Michael Lonsdale. France, 85’, 2014,

 produit par Reso Productions, Canal +.

Lien vers la bande annonce : https://www.youtube.com/watch?v=kCj_lgoWPaw

Maestro est l’histoire d’un choc. Choc entre un jeune comédien, Henri Renaud, interprété par Pio Marmai, et un réalisateur renommé, icône du cinéma d’auteur français, Cédric Rovère, interprété par Michael Lonsdale. Choc entre deux générations, entre deux visions du cinéma, de l’art, de la vie. Projet né dans l’esprit de Jocelyn Quivrin, Maestro raconte en fait sa propre rencontre avec Éric Rohmer sur le tournage des Amours d’Astrée et de Céladon en 2006. Co-écrivain du scénario avec Léa Fazer, Quivrin ne peut aller au bout de son projet car il décède en 2009 dans un accident de la route. Le projet est mené à son terme par Léa Fazer, et le film sort sur les écrans en 2014.

Henri est un comédien débutant, attiré par les films d’action et grand admirateur des acteurs studio. Sa situation financière est délicate et il court de casting en casting, de pub en pub, pour boucler ses fins de mois. Par sa meilleure amie, Pauline, elle aussi comédienne et engagée pour participer au prochain tournage de Cédric Rovère, il obtient un rôle mineur dans le long métrage Astrée et Céladon, film inspiré de L’Astrée de Honoré d’Urfé (1627). C’est le début, pour Henri, d’un parcours de découverte dans un univers cinématographique avec lequel il croit n’avoir rien en commun, parcours qui prend la forme d’une aventure humaine qui mène Henri à s’ouvrir à un cinéma différent, mais aussi à une amitié intergénérationnelle avec Rovère, le cinéaste. Ce parcours de découverte est aussi l‘occasion, pour le spectateur, d’une plongée au cœur du cinéma d’auteur, de ses métiers, de ses modalités, de ses contraintes.

Un tour d’horizon des métiers du cinéma

Maestro, c’est l’histoire d’un choc, mais dans un cadre particulier. La rencontre des deux hommes correspond exactement à la réalisation d’un film à petit budget, de son tournage à sa réception par le public en passant par les différentes étapes de sa production. Dans cette optique, Maestro est doté d’un fort potentiel descriptif vis-à-vis des métiers du cinéma d’auteur. Bien entendu, cette valeur descriptive n’est pas parfaitement objective puisqu’elle est le fruit d’un scénario écrit à partir d’une expérience personnelle et intime. Ainsi, si acteurs et réalisateur se partagent la vedette, Léa Frazer met bien en scène une équipe de tournage.  Le réalisateur est secondé par deux assistants principaux, Francine et Sam, qui prennent en charge les aspects techniques du tournage pour que celui-ci puisse se concentrer sur les enjeux plus artistiques. Parmi ces deux assistants, le personnage de Sam exerce de plus les fonctions de régisseur : il prend en charge transports et logistique, et surtout est responsable des pellicules qu’il envoie au laboratoire et récupère pour la projection des rushes. Maestro met également en scène perchman et ingénieur du son, maquilleuse/habilleuse, et, de manière plus discrète, cameraman.

A plusieurs reprises, le film nous montre les dispositifs d’un tournage, les gestes du perchman ou du cameraman (première photo), les écrans de contrôle du réalisateur (deuxième photo), etc.

Il est cependant assez intéressant de remarquer que, dès que l’on s’éloigne des personnages principaux, Léa Frazer a fait le choix d’effacer le caractère des personnages derrière leurs métiers. On peut prendre l’exemple de Sam, assistant réalisateur et régisseur : Sam semble être défini par son travail sur le tournage, toujours pressé, toujours courant d’une tâche à une autre, sans que sa personnalité n’émerge réellement. La plupart de ses répliques sont liées à ses responsabilités dans le film et expriment cette occupation permanente, ce sentiment d’urgence. De même, Marie-Jeanne, la chef costumière qui tient à la fois les rôles de coiffeuse, d’habilleuse, de maquilleuse et parfois d’accessoiriste, est un personnage qui semble définie par l’anxiété que lui procure son travail, notamment le manque de budget dont elle souffre plus que d’autres. En associant ainsi le caractère de certains personnages aux caractéristiques de leurs métiers, Léa Frazer donne aux spectateurs un aperçu vivant et aisément compréhensible du monde du cinéma.

Toutefois, en plus d’un tour d’horizon général des métiers et modalités du monde du cinéma, Maestro approfondit certains aspects propres au cinéma d’auteur français ou, en tout cas, propres à l‘expérience que Jocelyn Quivrin a eu de ce cinéma. Il est ainsi particulièrement centré sur le portrait d’Éric Rohmer, sur le métier de comédien, ainsi que sur l’enjeu du budget et des finances, omniprésent tout au long du film.

Cédric Rovère, portrait ou stéréotype ?

Le personnage de Cédric Rovère est présenté comme la transposition à l’écran d’un réalisateur ayant réellement existé, à savoir Éric Rohmer, mais il est également le portrait caricatural du réalisateur-type du cinéma d’auteur français : même si Cédric Rovère se révèle être bien plus complexe que prévu, notamment à travers ses contacts avec Henri, il est présenté comme volontairement déconnecté de la modernité, passionné par la nature, la poésie, le silence, ayant une approche très puriste du texte, et plus intéressé par les aspects artistiques que par les détails techniques.

Ce portrait personnel délivre toutefois des informations sur le métier de réalisateur, et notamment sur l’articulation du rôle du réalisateur avec celui de ses assistants : ceux-ci sont des relais entre le réalisateur et l’équipe de tournage, et prennent en charge la plupart des aspects techniques de la production du film pour laisser le réalisateur se concentrer sur l’aspect artistique. Ce dialogue entre Cédric et Francine en est un bon exemple :

  • Non mais là c’est ridicule ! On va dépasser de 30 000 euros rien qu’en pellicule… Non mais la prochaine fois on tourne en numérique, hein !
  • Ah mais c’est laid, le numérique… ça ne vit pas !
  • Oui, mais c’est l’avenir…
  • Ma petite Francine, arrêtez de vous en faire pour tout comme ça ! Vous allez vous rendre malade.
  • J’aimerais tellement que vous ayez de meilleures conditions…
  • Mais j’ai de très bonnes conditions ! Allez… ça ira !

Pio Marmai et Michael Lonsdale, interprétant respectivement Henri et Cédric Rovère. Cette scène d’échange devant un paysage silencieux est emblématique de la personnalité du réalisateur, en particulier de son goût pour la nature et la poésie.

Petit aperçu comique de la condition de comédien

Puisque Maestro est avant tout l’histoire d’un jeune comédien, il est tout naturel que le film brosse un portrait assez complet du métier d’acteur. Le personnage d’Henri est crucial dans la découverte de ce métier, mais pas seulement parce qu’il est le personnage principal, plutôt parce qu’il est inexpérimenté et que par conséquent, tout au long du film, il doit faire face à des dimensions de sa propre profession auxquelles il ne s’attendait pas forcément.

On peut prendre l’exemple de son arrivée sur le lieu de tournage des Amours d’Astrée et Céladon, séquence que Léa Frazer utilise pour mettre en scène la confrontation de sa vision de la condition d’acteur avec la réalité de ce métier. Elle en fait une situation comique : Henri décrit à son ami Nicolas leur vie dans un hôtel cinq étoiles, « pété de tunes », et avec « des belles meufs », mais déchante vite.

[En découvrant un petit hôtel de campagne, non sans charme mais assez simple]

  • C’est un cinq étoiles ça ?
  • Attends j’appelle mon agent… Oui allô, je t’appelle parce qu’on a un problème avec l’hôtel… Comment ça t’as essayé de me joindre ? Ah… Mais attends, mais 2700 euros par jour c’est très bien ça ! Ah 2700 euros pour tout le film ? Mais pour tout le film ? Mais non, il faut que tu négocies !»

Ses attentes déçues trouvent un écho dans les préjugés que les spectateurs peuvent avoir à propos du métier d’acteur, et ce procédé leur permet donc d’être accompagnés, de manière presque pédagogique, dans la découverte de ce travail. Un peu plus loin dans le film, à travers l’anecdote du téléphone portable, nous sommes amenés à découvrir une contrainte majeure à laquelle doivent se plier les comédiens et les figurants sur les lieux de tournage. En effet, alors qu’il fait de la figuration en arrière-plan, Henri se montre très peu professionnel en répondant à un appel téléphonique de son banquier. Ce n’est qu’au moment du visionnage des rushes que Cédric, Francine et Sam se rendent compte que la séquence qu’ils ont sélectionnée pour le film montre un berger du XVII° siècle utilisant un téléphone portable. Les conséquences irrémédiables qu’a ce bref instant de relâchement sur le film amènent le spectateur à questionner l’approche décontractée et détendue que le film adoptait jusque-là vis-à-vis du métier d’acteur.

Henri, lorsqu’il décroche son téléphone, est bien visible en arrière-plan sur le visionnage des rushes.

La découverte du texte, ou légère collision entre univers opposés

La première étape du parcours d’Henri au sein du cinéma d’auteur est la découverte du texte. Lors de son entretient avec Cédric Rovère, qui tient lieu de casting, Henri fait une première lecture du texte original de L’Astrée d’Urfé, c’est-à-dire d’un texte écrit au XVII° siècle et décrivant un monde pastoral et romantique. Cette scène de lecture est la première illustration du décalage présent entre les univers cinématographiques d’Henri et de Cédric, leur absence de références communes. Mais c’est surtout la première difficulté mise en avant dans le métier d’acteur : comment s’approprier le texte ? Comment faire vivre des mots qui nous paraissent étrangers ?

« Cédric – Surtout, ne lisez pas trop vite… le secret, vous savez, c’est dans la métrique… dans la scansion !

Henri (a un regard d’incompréhension puis lit très lentement) – Arrivés sur le bord du Lignon, nous n’avons trouvé aucune marque de ce que nous cherchions, sinon, fort loin, son chapeau, entraîné par le courant…

Cédric – Non, non, non, ça… C’est encore un peu rapide ça, non… Prenez bien la mesure (il poursuit très, très lentement) « Mon Dieu, belle bergère, quel malheur est le nôtre… »

Henri – (très sceptique, hésite un moment puis reprend extrêmement lentement, en détachant chaque syllabe) Vous ne dites rien… Est-il possible, Astrée, que la perte de celui qui vous fut si cher ne vous touche l’âme assez vivement pour vous faire accompagner sa mort au moins de quelques larmes ? »

Ce thème du difficile apprivoisement du texte est récurrent, tout au long du film, évoqué à la fois lors des séances de lecture collectives, où Henri et son ami Nicolas somnolent régulièrement, et lors de scènes montrant le tournage lui-même : les acteurs butent sur certains mots, oublient ou transforment certaines parties de leurs répliques qui ne leur paraissent pas naturelles, etc. Le texte est même présenté comme dominant lorsque Cédric Rovère s’écrie, lors d’une lecture préparatoire : « Non, non ! Ne mettez pas de sentiments… Laissez faire la langue. »

Cet aspect est particulièrement central dans ce film puisque le texte lui-même est une dimension essentielle de la transmission qui s’opère entre Cédric Rovère et Henri. Ainsi, dans les premiers jours du tournage, Henri et Nicolas passent leurs soirées à regarder Fast and Furious en reproduisant eux-mêmes les dialogues : « Si j’te bas tu vas perdre un paquet de pognon parce que ta moto j’vais la bousiller ! – Hein hein hein… le pognon j’ai c’qui faut… C’qui me manque, c’est les hommes qui ont le courage de relever des défis… ». Mais à la fin du film, Henri déclare avoir, grâce à Cédric, découvert et appris à aimer la poésie : il lit Mallarmé, Verlaine, et la dernière réplique du film qu’il prononce est un remerciement envers Cédric qui lui a appris à « payer sans marchander le prix exorbitant de la beauté ».

 

Le cinéma d’auteur, un cinéma « fauché »

En dehors des métiers de réalisateur et de comédiens, le thème du financement et de la gestion du budget est également récurrent dans Maestro, Léa Fazer semble le placer au cœur du cinéma d’auteur. A plusieurs reprises, les problèmes financiers générés par les imprévus du tournage sont évoqués par les différents membres de l’équipe.

A propos de la fracture du coccyx d’une des comédiennes : « C’est vraiment très, très emmerdant comme sinistre… On peut pas se permettre de faire jouer l’assurance la franchise est trop importante, et ça nous ferait perdre notre bonus… Je ne pensais vraiment pas qu’on puisse avoir un blessé avec une chaise ! »

A propos d’un figurant : « Pardon Monsieur Rovère, est-ce que vous ne pensez pas qu’on va le reconnaître ? Parce qu’il a déjà fait le palefrenier du village, le jardinier de la nymphe, le valet du druide… – Ah oui bien sûr on va le reconnaître ! – (La maquilleuse, hurle) Bah oui mais je suis pas magicienne moi ! J’ai plus que des perruques de femmes, ça va être ridicule sur lui ! Il n’y a pas de budget, j’en ai marre ! Je travaille comme une malade, dans des conditions difficiles… (elle pleure) »

Après l’incident du portable : « J’ai pas les moyens de la retourner moi cette séquence… ça veut dire que dans ce film Rovère va avoir un berger du XVII° siècle qui parle sur son téléphone portable… Mais c’est pas possible, c’est pas possible ! – Je suis désolé, mais c’était ma banque…  – Mais tu te crois où ? On a tous des problèmes avec notre banquier ! »

On a donc bien, dans Maestro, l’identification des enjeux budgétaires du cinéma comme un obstacle à la fibre artistique de ce domaine professionnel, vision qui participe à véhiculer l’image d’une opposition presque caricaturale entre art et argent.

Mise-en-abîme

Maestro est un film centré sur la réalisation d’un film, dont le tournage a consisté à reproduire des conditions de tournage, avec des cameramen filmant des cameramen en action, des acteurs jouant le rôle d’autres acteurs eux-mêmes absorbés dans leurs personnages ; en bref, Maestro constitue une longue et constante mise en abîme. Il nous est facile, dans cette optique, d’avoir confiance en la véracité, ou en tout cas la vraisemblance, du portrait du monde cinématographique brossé par lui. Cela donne plus de poids aux remarques évasives, générales, prononcées par les personnages, comme cette réplique de José :

« C’est étrange, la sensation du temps, sur un tournage… Au début tu penses que ça va être très long, et d’un coup tout est presque passé, sans qu’on s’en rende compte. »

Bien sûr, cela ne signifie pas que chaque aspect du monde cinématographique présenté dans Maestro correspond à une vérité absolue ; simplement, plus qu’une analyse ou même une représentation du cinéma, ce film est un témoignage. Témoignage de l’expérience que Jocelyn Quivrin a eu du cinéma d’auteur, et témoignage de ce qu’il a pu découvrir à travers sa rencontre avec Éric Rohmer.

Juliette Longé, Sciences Po Paris

 

 

 


Laisser un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *