En novembre, LaCinetek s’expose à tous les regards !
Au jeu du photographe photographié, le cinéma est roi tant les personnages munis d’appareils peuplent l’histoire du septième art. Mise en abîme de l’œil des cinéastes, ils révèlent le travail du cadre et la problématique du point de vue, allant jusqu’à pointer leur appareil sur les spectateurs, dans une inversion de la dynamique des regards. Comme le cinéma, la photographie enregistre le réel tout en ouvrant les portes de l’imaginaire ; elle saisit l’instant présent puis le transforme en traces, passant du côté des souvenirs ou des fantômes.
Avec le succès de la Zone à Défendre de Notre-Dame-des-Landes, l’idée d’action directe peut désormais être considérée comme légitime, non seulement pour désigner un conflit avec l’État mais aussi une manière de vivre et de protéger la terre. Ben Russell et Guillaume Cailleau ont longuement filmé dans la ZAD de Notre-Dame-des-Landes ainsi que l’action menée par les Soulèvements de la Terre à Sainte Soline.
Ce qu’ils nous font découvrir à Sainte Soline, c’est une communauté diversifiée qui lutte contre l’implantation des méga-bassines, une manière de monopoliser l’eau par quelques gros agriculteurs souvent spécialisés dans le maïs. Un long et lent plan montre quelques jeunes manipulant une machine pour scier les planches ; puis un autre, tout aussi long, rend compte de l’usage d’une machine à fendre les troncs… Ou encore le labour avec un cheval, l’alimentation des chèvres, le désherbage d’un jardin, un concert, des réunions collectives, la fabrication de crêpes, la préparation des luttes, les manifestations… On découvre ainsi toute une série d’activités agricoles, artisanales, collectives et militantes.
Au total, une vingtaine de plans séquences, d’une dizaine de minutes chacun, documentent avec sobriété et précision la diversité des activités et des acteurs de cette lutte sociale. Loin d’être des “écoterrorismes” comme les présente le gouvernement, ces activistes apparaissent plutôt comme des sortes de travailleurs manuels engagés dans la sauvegarde de la vie sur la planète. Le dispositif des deux réalisateurs ne cherche pas à démontrer et imposer un point de vue. Il suggère la diversité des engagements et des composantes du “soulèvement de la terre”. Il donne à voir aussi la force et la violence policière face à des manifestants dont les principales armes semblent être des lunettes de piscine, des masques anti-COVID voire des casques de vélo.
Le deuxième long métrage de Nina Faure sort en salle. En s’interrogeant sur le plaisir féminin, la réalisatrice rend compte d’un important mouvement social d’aujourd’hui. En rappelant que le travail gratuit des femmes est au cœur de l’économie capitaliste et du patriarcat, elle conjugue intime et collectif… Et se faisant, elle s’inscrit dans la voix originale engagée depuis plus de vingt ans par CP Productions qui a su articuler critique radicale, humanité et empathie.
Par Isao Takahata, produit par le studio Ghibli, sorti le 16 juillet 1994, 119 min
Par Hugo SAMSON
Pompoko est-il un film sur le travail ? A priori, la présence des tanukis conduit à répondre non à cette question : en effet, ces esprits qui sont capables de se métamorphoser, qui habitent les forêts du folklore mythologique japonais et qui protègent leurs bois contre les êtres humains n’ont rien à voir avec le travail au sens sociologique. Mais en dehors de l’esthétique d’inspiration shintoïste, le récit et la figure de ce yōkai (type de créature surnaturelle et traditionnelle du Japon) ressemblant à des ratons-laveurs sont finement utilisés à des fins politiques. Le scénario traduit dans un langage enfantin les phénomènes d’urbanisation croissants qui réduisent les espaces habités par les créatures et provoque un exode rural. La ville de Tama, projet de construction partant « de zéro » (comprendre ici sans habitation humaine), conduit à la déforestation et la destruction du milieu de vie des tanukis, avec par exemple la canalisation des rivières et le rasage des reliefs pour produire des montagnes de terres dans le département voisin. Choquée par l’oubli de leur existence, cette population d’animaux magiques est alors confrontée à la lutte politique pour le droit à vivre sur leurs terres sacrées. Quelle place peut donc occuper le travail dans cette œuvre plaçant le vivant au cœur de son intrigue ?
Le travail face à l’environnement
Pour s’opposer à ces projets, ces derniers vont alors passer par différents stratagèmes qui échoueront la plupart du temps. En premier lieu, c’est par la casse des outils de chantier et des véhicules que les personnages chercheront à freiner la destruction de la nature. Rappelant le luddisme du début du XIXème siècle, l’historien E.P. Thompson a fait le récit d’artisans anglais, plus précisément les tondeurs de draps, les tisserands sur coton et les tricoteurs sur métier, allant casser les machines récemment installées dans de nouvelles usines qui dépossèdent ces artisans de leurs savoir-faire en produisant une concurrence économique intenable. Cependant, il est malaisé de faire la comparaison entre luddites et tanukis, dans le sens ou c’est l’appropriation de la terre qui fait question et non les conditions de travail des créatures, qui sont en vérité très peu présentes dans le film. De même, à la différence des tanukis, il ne peut pas être considéré que l’économie morale qui a conduit leurs actions, c’est-à-dire « la production, la répartition et la circulation des sentiments moraux, des émotions et des valeurs, des normes et des obligations dans l’espace social »[1] relève de la justification politique dans le sens où les notions employées par la classe ouvrière anglaise du début du XIXème siècle ne relevait pas de notions de bien public [2]. Au contraire, cette dimension politique était appuyée par les autorités nationales de l’époque et pouvait être renvoyée par la classe ouvrière pour se justifier du bien-fondé publique de leurs actions, de sorte que « les autorités étaient, en quelque sorte, prisonnières du peuple »[3]. Dès le début de Pompoko, la voix off explique que la croissance économique justifie l’établissement de la nouvelle ville et ses effets sur le territoire : « superficie totale : 3000 hectares. Population prévue : 300 000 habitants. Déforestation, rabotage des collines, liquidation des rizières et des maisons d’antan, création d’un nouvel espace totalement remodelé pour construire une ville-dortoir d’un nouveau type, tels étaient les axes de ce nouvel urbanisme. ». Dans cette perspective, le travail, c’est la transformation de l’espace par les autres.
Figure 1 : les véhicules de construction comparés à des insectes mangeant une feuille
Entre 1977 et 1981, des jeunes adolescents, habitant des cités d’Alfortville et de Vitry-sur-Seine, dans le Val-de-Marne, se réunissent et forment le Collectif Mohamed. Ensemble ils tournent trois films de court-métrage. Ce projet naît de leur volonté de filmer leurs propres images, de raconter par eux-mêmes leurs histoires, d’enquêter au sein des cités où ils vivent, de s’amuser, mais aussi de produire un discours politique et donner forme à leur révolte. Ils se sont cotisés et ont acheté quelques bobines Super-8, le support amateur de l’époque, ils ont emprunté du matériel dans leur lycée, et monté leurs images avec l’aide d’un enseignant. Ces films ont été distribués par AUDIOPRADIF, un collectif qui « aidait tous ceux qui ont quelque chose a dire et des luttes à porter, à mettre en forme ces projets et à les diffuser partout où c’est possible, pour changer la vie, car c’est l’affaire de tous ».
Synopsis
Le Garage, France, super 8, couleur, son, 30’, 1979
Un court documentaire-fiction, où les jeunes filment leur quotidien et leurs amis. Le film se tourne autour du « Garage », un lieu que les jeunes ont obtenu dans la cité, afin de pouvoir se rassembler autre part que dans la rue, avoir un espace à eux, un lieu où organiser des réunions, des activités d’éducation diverses, des rencontres, des fêtes.
Zone Immigrée , France, super 8, couleur, son, 40’, 1980
Une enquête dans la ville pour interroger l’agression d’un jeune par un chauffeur de bus. Un peu partout dans la rue, le collectif va à la rencontre des gens pour se demander quelles sont les causes et les effets de certaines formes de violence.
Ils ont tué Kader , France, super 8, couleur, son, 20’, 1980
Un film qui prend le chemin du combat politique. Suite à la fermeture du garage, les jeunes sont obligés de se rassembler dans la rue. Un soir un gardien tire sur l’un d’eux, Kader, et le tue. Suite à cet événement, les médias viennent dans la cité, pour faire un reportage et pour récupérer des images de leurs films. Un film qui pose de nombreuses questions sur le rôle des médias en banlieue, et sur la nécessité de produire soi-même des images.
« Ce film n’est pas du style policier. L’auteur s’efforce d’exprimer, par des images et des sons, le cauchemar d’un jeune homme poussé par sa faiblesse dans une aventure de vol à la tire pour laquelle il n’était pas fait. Seulement cette aventure, par des chemins étranges, réunira deux âmes qui, sans elle, ne se seraient peut-être jamais connues. »
Le long-métrage de Robert Bresson s’ouvre sur l’introduction mentionnée ci-dessus en plusieurs intertitres.
Long-métrage de Martin Scorsese, États-Unis, 2013, 179 minutes.
Inspiré d’une histoire vraie, Le loup de Wall Street se centre sur l’ascension puis la chute du jeune courtier Jordan Belfort, interprété par Léonardo Di Caprio, dans le milieu de la finance des années 1990. Le film est construit comme un pic : les premières scènes nous montrent le héros au sommet de sa gloire, puis s’ensuit un long flashback dévoilant son ascension et enfin sa chute à la fois professionnelle et personnelle. Après avoir commencé sa carrière comme courtier junior à Wall Street et s’être initié aux pratiques excessives qui entourent la profession, Jordan est victime de la crise économique de 1987 et est contraint de tout recommencer à zéro. Il monte alors des arnaques financières en vendant des actions bas de gamme à de grands investisseurs, ce qui lui permet de s’enrichir vite, de mener un train de vie indécent et de rencontrer sa nouvelle épouse Naomi incarnant la réussite matérielle par sa beauté. Cependant, ce schéma ascendant est stoppé net, d’abord par ses difficultés dans sa vie conjugale, ainsi que par les poursuites du FBI qui lui reproche l’illégalité de ses pratiques, notamment de vendre ses propres actions en bourse. Jordan doit alors se résoudre à cacher ses revenus sur un compte en banque suisse, et après de multiples péripéties finit par être envoyé en prison. La chute est alors radicale, puisque sa femme divorce en réclamant la garde des enfants, et il perd une grande partie de sa fortune. Malgré toutes ces déconvenues, la fin du film nous le montre invariablement prospère, donnant des séminaires de motivation à travers le monde pour enseigner l’art de la vente.
Image 1 : Affiche du film
Le métier de courtier : une promesse de réussite et d’argent facile
Long
métrage d’Anne Depétrini, France, 2018, 87 minutes
Avec sa
comédie L’école est finie, l’actrice
et réalisatrice Anne Depétrini se donne pour mission de revaloriser le
métier d’enseignant en en montrant toute la complexité, avec humour bien sûr.
Avantage indéniable : elle connaît l’envers du décor puisque sa propre
mère a longtemps travaillé dans le milieu. Inspiré du livre Chronique d’une prof qui en saigne (2010)
de Princesse Soso[1],
le film raconte les débuts d’une jeune professeure d’anglais, Agathe Langlois
(Bérengère Krief), parisienne jusqu’au bout des ongles et titularisée au
collège Émile Zola à Trouilly-sur-Selles, en pleine Picardie. Loin de tout ce
qu’elle connaît, de sa sœur Diane (Marilou Berry) et de ses copines, elle
redécouvre son métier et les vicissitudes qui l’accompagnent. En effet, enseigner,
c’est rarement faire cours à des mômes ravis d’apprendre et avides de
connaissances comme l’étaient ses premiers élèves du lycée Montaigne, lors de
son année de probation. Une fois mutée, son public change radicalement. Elle
doit braver l’absence de curiosité intellectuelle des uns et l’insolence des
autres, en jonglant avec les multiples fonctions qui lui incombent
désormais : prof, éducatrice, psy, assistante sociale, informaticienne etc. En bref : une fiction qui révèle
en toute légèreté la difficile polyvalence des enseignants d’aujourd’hui.
Long métrage de Philippe Le Guay, France, 2011, 106 minutes
Dans Les femmes du sixième étage, Philippe Le Guay interroge le travail de femme de ménage. Le réalisateur nous donne à voir l’histoire de la famille Joubert, laquelle réside dans un grand immeuble parisien. En l’année 1962, les Joubert embauchent Maria (Natalia Verbeke) – jeune immigrée espagnole – comme nouvelle bonne en remplacement de leur domestique bretonne Germaine (Michèle Gleizer), démissionnaire.
Figure 1 : Maria servant son œuf-coque à Monsieur Joubert.
Bouquet Final, un film de Michel Delgado, 5 novembre 2008, Comédie Française, Gaumont Distribution, 101’. Avec Bérénice Béjo, Didier Bourdon, Gérard Depardieu, Valérie Bonneton, Marc-André Grondin et Michel Galabru
Bouquet Final, comédie réalisée en 2008 par Michel Delgado, plonge le spectateur dans le monde funéraire. Fraîchement recruté comme directeur commercial Paris d’une grande entreprise américaine de pompes funèbres, le jeune Gabriel (Marc-André Grondin) doit d’abord réaliser un stage de terrain de trois mois auprès de l’acariâtre et expérimenté Gervais Bron (Didier Bourdon). Réticent et n’assumant pas son nouveau travail, il décide de faire croire à ses parents (Gérard Depardieu, Marthe Keller) et à Claire (Bérénice Béjot), sa nouvelle compagne, qu’il est musicien. Cependant les choses se compliquent lorsque Gabriel vend des obsèques d’une grande valeur à un certain monsieur Froissard (Michel Galabru) qui se révèle être le grand-père de Claire… Derrière l’humour noir dévastateur et les situations grinçantes se dessine un portrait assez précis du secteur si particulier des pompes-funèbres. Le spectateur découvre les différentes facettes du métier de « croque-mort » allant de la vente des cercueils, à la participation aux enterrements en passant par les nombreuses tâches administratives ainsi que la mise en beauté des défunts. Le contact proche avec les cadavres n’a pas été omis par Delgado et se révèle être un des ressorts principaux du film comme l’illustre la scène de la première toilette mortuaire qui met si mal à l’aise Gabriel. De même lorsqu’il est confiné avec le cadavre dans l’ascenseur, Gabriel est pris d’une peur panique face à ce contact charnel.
Long métrage, France, 2017, 117 minutes, écrit et réalisé par Éric Toledano et Olivier Nakache, produit par Nicolas Duval Adassovsky, Yann Zenou et Laurent Zeitoun
Après Nos jours heureux (2006) et Intouchables (2011 Éric Toledano et Olivier Nakache réalisent une nouvelle comédie mettant en scène le travail. Le film nous plonge au cœur de l’organisation d’un mariage. Les réalisateurs ne sont pas si étrangers à ce milieu puisqu’au début de leur carrière ils ont travaillé dans ce type d’événements, en tant que serveurs, pour financer leurs premiers courts-métrages. Ils ont même déclaré dans une interview accordée à Allo ciné : “Nous avions vécu dans ces coulisses, ressenti la pression de ce métier et glané bon nombre d’anecdotes sur le sujet”.
Dans Le sens de la fête, Max est à la tête d’une entreprise qui organise des mariages. Dans un château du XVIIe siècle il doit coordonner et diriger de nombreux corps de métiers pour que le mariage de Pierre et d’Hélèna soit parfait. Les nombreux imprévus et les difficultés rencontrées par l’équipe nous font découvrir les métiers de l’événementiel et nous permettent de mieux les comprendre.
[Figure 1: Max le chef d’équipe: ici entouré de la brigade de serveurs].
Film de Jean-Pierre Améris, avec Isabelle Carré et Benoît Poelvoorde
Au premier abord, ce film ne semble pas porter sur le travail. Pourtant, en se laissant entrainer par le récit édulcoré de Jean-Pierre Améris, au sujet de deux phobiques du contact social, Angélique et Jean-René, l’on peut dresser un portrait plutôt fidèle au travail en chocolaterie. Hyperémotif.ve.s, les deux personnages trouvent dans leur métier, qu’ils exercent avec passion et par vocation, une porte de sortie à l’effrayant quotidien, et l’unique voie de leur épanouissement. Le film permet un aperçu du monde du travail dans ce domaine si particulier de la fabrication de chocolat, en abordant notamment, avec légèreté mais réalisme, les thèmes des relations professionnelles ou des enjeux financiers.
La Vénus à la Fourrure, un film de Roman Polanski avec Emmanuelle Seigner et Mathieu Amalric, France, 95’, 2013
A l’origine, La Vénus à la Fourrure est un roman allemand écrit par Leopold von Sacher-Masoch en 1870, auteur qui donnera son nom au sadomasochisme. Il fut adopté au théâtre, puis au cinéma par Roman Polanski. C’est cette dernière adaptation que nous allons étudier. L’intrigue du film est centrée autour d’une audition que doit faire passer Thomas Novacek (interprété par Mathieu Amalric), adaptateur et metteur en scène, à Wanda Jourdain (interprétée par Emmanuelle Seigner), une comédienne. Il s’agira dans cette note d’étudier les représentations du travail de metteur en scène et d’adaptateur (les deux se rejoignant dans le personnage de Thomas Novacek) et les rapports qu’ils entretiennent avec le travail de comédien ou plutôt comédienne ici (Wanda Jourdain). Nous nous focaliserons sur le travail du metteur en scène en nous autorisant quelques observations sur le rôle de comédien. Avant de débuter, il est nécessaire de signaler que ce film n’est pas centré sur le travail de metteur scène en tant que tel. Le fait d’avoir un homme dans le rôle du metteur en scène/adaptateur et une femme en tant que comédienne auditionnée n’est pas anodin, le sexisme étant un sujet central du film.